La trayectoria de Rossana Iturralde es una historia de transformación y búsqueda. Lo que comenzó como una experiencia universitaria con un monólogo se convirtió en una vocación que la llevó a abandonar la arquitectura y entregarse por completo al teatro. Hoy, es una de las figuras más destacadas del arte escénico ecuatoriano, reconocida por su versatilidad como actriz, directora, productora y docente.

Con obras emblemáticas como La edad de la ciruela y papeles memorables como Medea, Iturralde ha desarrollado un lenguaje teatral propio, combinando investigación, teatro físico y máscaras para explorar la condición humana desde una mirada femenina y crítica. Su estética, centrada en el cuerpo y la luz, construye metáforas visuales que invitan a la reflexión. Además, ha impulsado festivales y procesos de formación en barrios populares, acercando el teatro a nuevas audiencias y fortaleciendo el tejido cultural local.

Su giro hacia el teatro se dio tras cuatro años de estudios de arquitectura y experiencias corales. Asistir al Monólogo del Juglar fue decisivo: descubrió la fuerza expresiva del cuerpo y la palabra. Desde entonces, se ha formado en pantomima, danza, butoh y trabajo con máscaras, disciplinas que nutren su dramaturgia corporal.

La pandemia marcó un antes y un después. En medio del confinamiento, adaptó obras a formato radial, replanteó sus ritmos de creación y, tras pérdidas personales, priorizó la introspección. De ese proceso nacieron talleres de formación en Guayaquil que combinan herramientas escénicas con acompañamiento emocional, así como nuevas obras como su versión de Vita Brevis, inspirada en Floria Emilia y en una revisión crítica del patriarcado.

Sobre los desafíos del teatro ecuatoriano, Iturralde señala la falta de financiamiento sostenido, la precariedad en la producción y la ausencia de circuitos estables de exhibición. Defiende la necesidad de políticas culturales articuladas con la educación y la salud mental, además de estrategias de mediación que acerquen el teatro a públicos diversos. Para ella, la investigación y los tiempos adecuados de ensayo son pilares esenciales.

Hoy, Rossana combina la docencia, la actuación y la dirección, enfocándose en la dramaturgia corporal y en proyectos comunitarios. Sus actuales propuestas —tanto solos como repertorios colectivos— exploran el texto, la imagen y el movimiento. Desde esa intersección entre arte e investigación, busca construir redes de colaboración que den continuidad al teatro ecuatoriano más allá de las crisis económicas. Para Iturralde, el teatro es una arquitectura viva: del cuerpo, de la memoria y del alma.

From Architecture to Theater: Rossana Iturralde’s Path and the Challenges of Making Stage Art in Ecuador

Rossana Iturralde’s artistic journey is a testament to transformation — from the world of architecture to the realm of performance. What began as a university exercise with a simple monologue evolved into a lifelong dedication to the stage, leading her to become one of Ecuador’s most versatile theater figures. Guided by mentors who recognized her talent early, she ventured into acting, directing, producing, and teaching, shaping both her craft and Ecuador’s theatrical landscape.

Her career flourished with landmark productions such as La edad de la ciruela and powerful roles like Medea, where she merged research, physical theater, and mask work to create a deeply expressive language. This blend of body, light, and symbolism defines her signature style — one that constantly investigates the human condition, especially from a feminine perspective. Beyond performance, she has become a cultural advocate, promoting audience development in working-class neighborhoods and curating festivals that bring local and international companies together.

Iturralde’s pivot to theater came after four years studying architecture and involvement in choir projects. Witnessing the Monólogo del Juglar sparked her fascination with embodied storytelling, motivating her to train in pantomime, butoh, and mask techniques. Through these disciplines, she developed a corporeal dramaturgy rooted in visual metaphors and emotional truth.

The COVID-19 pandemic marked a turning point. During confinement, she translated her work into radio drama, restructured her creative process, and embraced introspection after personal losses. That period inspired community training programs in Guayaquil that merged stage tools with emotional resilience, particularly for young people and vulnerable groups. It also birthed new works like her adaptation of Jostein Gaarder’s Vita Brevis, reimagined through the voice of Floria Emilia to challenge patriarchal narratives.

Addressing the broader theater landscape, Iturralde identifies persistent challenges: limited funding, fragile production systems, and a lack of stable touring circuits. She emphasizes the importance of cultural policies that link the arts with education and mental health, as well as audience mediation to expand theater’s reach beyond niche circles. For her, research-based creation and time for proper rehearsal are essential to the sustainability of Ecuadorian theater.

Today, Rossana continues balancing teaching, directing, and performing with a focus on physical dramaturgy and community engagement. Her current projects — intimate solo pieces and ensemble works — explore the intersections of text, image, and movement. Through her hybrid artistic and managerial approach, she seeks to strengthen networks that can sustain Ecuador’s performing arts scene, even amid economic uncertainty. For Iturralde, theater is not only an art form but also a tool of reflection, connection, and healing — a space where architecture of the body meets architecture of the soul.

Da Arquitetura ao Teatro: O caminho de Rossana Iturralde e os desafios de fazer arte cênica no Equador

A trajetória de Rossana Iturralde representa uma profunda transformação: de estudante de arquitetura a uma das vozes mais respeitadas do teatro equatoriano. Tudo começou com um simples monólogo na universidade e evoluiu para uma carreira dedicada à atuação, direção, produção e ensino, marcada por pesquisa e compromisso com a arte como instrumento de mudança social.

Entre suas obras emblemáticas estão La edad de la ciruela e interpretações poderosas como Medea, nas quais ela combina teatro físico, máscaras e dramaturgia visual para refletir sobre a condição humana, especialmente sob o olhar feminino. Sua estética une corpo, luz e silêncio em composições que convidam o público à introspecção. Paralelamente, Iturralde promove festivais e programas de formação em bairros populares, ampliando o acesso e fortalecendo o circuito teatral local.

Após quatro anos estudando arquitetura, seu encontro com o Monólogo del Juglar foi determinante. Descobriu o potencial expressivo do corpo e mergulhou em disciplinas como pantomima, dança, butoh e máscaras. Esse percurso deu origem a uma dramaturgia corporal que privilegia metáforas visuais e o diálogo entre emoção e presença.

A pandemia de COVID-19 redefiniu sua relação com o ofício. Durante o isolamento, levou o teatro para o rádio, repensou processos criativos e, após perdas pessoais, priorizou a reflexão e o cuidado. Dessa fase nasceram projetos comunitários em Guayaquil, voltados a jovens e adultos, que unem técnicas cênicas e fortalecimento emocional. Também criou novas obras, como uma adaptação de Vita Brevis, inspirada em Floria Emilia e em uma leitura crítica das estruturas patriarcais.

Iturralde aponta os grandes desafios do teatro no Equador: falta de financiamento contínuo, precariedade na produção e escassez de circuitos de circulação. Defende políticas culturais que integrem arte, educação e saúde mental, além de iniciativas de mediação de público que ampliem o alcance do teatro. Para ela, a pesquisa e o tempo de ensaio são investimentos indispensáveis.

Hoje, sua agenda combina ensino, criação e atuação. Em suas montagens atuais — solos e trabalhos coletivos —, Rossana explora texto, imagem e movimento, buscando uma teatralidade íntima e emocionalmente potente. Seu compromisso é construir redes colaborativas que garantam a continuidade da arte cênica no país, mesmo diante das crises. Para ela, o teatro é mais que espetáculo: é cura, é encontro, é arquitetura da alma.